La cuestión aquí es que los artistas ni siquiera están haciendo esto motivados por destruir o reformar la industria, más bien es para estar más cerca del público. O sea, la banda no libera sus canciones para ser rotadas en radios sino más bien para que sean disfrutadas por sus fans -hay casos extremos como el de Nine Inch Nails (el ejemplo del último álbum “The Slip”) en que su líder Trent Reznor, de golpe y porrazo, te manda un mail diciéndote “aquí está mi nuevo disco para que lo descargues, disfrútalo”.

En esta era 2.0, de web, nuevas políticas de negocios y acceso a la cultura 2.0, los rasgos sobresalientes son la creatividad abierta a todos, la participación en redes globales sociales, la gratuidad de casi todo pero con modelo de negocio (??), la re-mezcla de todo lo que haya sonado alguna vez, las opiniones personales en blogs y twiteos y una larga cola de nichos y posibilidades al parecer infinitas. En fin, un cambio de poder radical, empoderamiento de las masas y desafío al poder de los medios y su antiguo modelo económico.

El artista aún imagino que está intentando comprender este mundo de maravillas y amenazas que irrumpe por lado y lado. Nuestro pronóstico sigue siendo muy esperanzador. El comienzo de una era, de la red al concierto, sin discos manufacturados por la industria de por medio. Alguna vez alguien sugirió: “No maten la música, maten al intermediario”. Frente al derrumbe de las ventas, una opción que ya hoy día ni nos asombra es apostar por la difusión en la red y los dividendos generados por los shows en vivo.

Esta metodología de acceso libre llegó para quedarse, para bien o para mal. Cuando han pasado casi tres años, es el modelo Radiohead (de su último disco aún, “In Rainbows”) el que más se acerca a un punto de equilibrio para el artista, en cuanto a la difusión de su obra gratis o por lo que quieras pagar, y luego cobrar por ir a verlos en vivo. Pero creo que la descarga gratuita ya está instalada y costará desalojarla. Porque, ¿cómo competir con algo gratis?

Soy pro a la gratuidad de la música. No obstante, es un hecho que el hábito arraigado de la descarga ilegal es el que causa un desmedro del patrimonio de un artista, su música. Otros argumentan que al entrar al juego de regalar la música, esta sufre una desvalorización importante, eso también va en desmedro para el creador de una obra.

Sin embargo, estoy prácticamente seguro que de aquí a algunos años más, los artistas más allá del financiamiento recibido por venta de discos o conciertos, tendrán que encontrar otras formas de retribución a su trabajo, como por ejemplo serían la aplicación de una especie de impuesto multimedia a lugares en los cuales se realizan actividades comerciales con su trabajo o el cobro de cuota de descarga fija multimedia en las facturas de cuenta de Internet (es un hecho, todos bajamos música alguna vez) o tal vez el incentivo a los grupos a entregar un plus en sus trabajos, de tal forma que siempre prefiramos el original. Pueden haber muchas opciones, pero está en nosotros una responsabilidad social de respetar, de cierta forma, el trabajo de otros.

Alfredo Lewin

Music Matters es un colectivo de artistas y figuras de la industria que quieren tocar tu fibra más sensible, recordándote lo obvio: Si alguien llega a un sitio web y no quiere pagar ni un peso por un álbum en el que se acaba de invertir un año de trabajo, le preguntamos ¿por qué lo quieres si de verdad no le das ningún valor? La música debe tener un valor si va a tener algún futuro. En esto de la masificación del acceso a los bienes culturales, el público está feliz, las compañías proveedoras de conectividad también, igual que los sitios webs que generan cada vez más por el “comercio net” o los fabricantes de dispositivos móviles para escuchar música, desde el Mp3, pasando por el Ipod hasta el teléfono ultra tecnológico. Muchos de estos intermediarios han pasado a ser los más favorecidos con música disponible, pero, ojo, que hay que generar para pagarle algo a los artistas, eso es lógico, ¿no? Si son ellos los que hacen las canciones ¿no resulta obvio verlo así?

Sabemos que esto no es un tema en blanco y negro. Está lleno de grises y tonos intermedios. Si hay artistas dispuestos a repartir gratis su música, eso ya deja en la duda una condena a todo tipo de tráfico musical. Para todos los que somos fanáticos profesionales, está claro que la música importa, pero el mercado aún no sabe responder. Hasta hace no mucho tiempo, era nada de fácil comprar música en algún sitio de Mp3 legal o, para qué decir, I Tunes aún no disponible en mercados latinoamericanos.

Lamentablemente, los gobiernos como el nuestro (no somos los únicos) no han hecho demasiado para frenar una práctica tan arraigada en nuestra cultura. Aunque no es buena estrategia legislativa el regular problemas en la medida que estos se van presentando, creo que ya es hora de que, por lo menos, mejoremos la normativa vigente para adecuarla a los tiempos actuales. Esto debe tratarse a la altura de un programa a larga data, es decir, crear conciencia en las futuras generaciones de la importancia del trabajo de los músicos y artistas en general porque, a medida que la debacle de las grandes discográficas continúa, no nos cabrá duda que, en un futuro no tan lejano, no habrán tantos intermediarios involucrados y lo que paguemos por una obra irá efectivamente a parar a las manos de su creador. Así sí.

Lo bueno es que en Music Matters son realistas y tienen claro que se trata de un punto de partida en un camino que será largo; no se trata solo de repetir la cuestión de “pagar o no pagar por la música que quieres”. Va más allá, es darte cuenta del valor que la música tiene y que parte por el que tú le das. En la página oficial de esta campaña, http://www.whymusicmatters.org/, se exhiben unos cortos que narran las historias de lo que hay detrás del trabajo de figuras consolidadas como Nick Cave, Kate Bush y Sigur Ros hasta la clásica agrupación inglesa The Jam. Te invitamos a verla, ya que después de hacerlo, te quedará claro por qué la música sí importa.

Alfredo Lewin

Hace algunos meses conversaba con un primo acerca de que pasaría cuando se mueran los grandes del rock, esas leyendas sobre las cuales se construyo la música que tanto amamos, pensando en esos momentos que aquellos días estaban muy lejos imaginábamos que haríamos al enterarnos de una noticia así, no podíamos dimensionar el vació que quedaría cuando se fueran de este mundo grandes como Ozzy, Lemmy o Dio.
 
Lamentablemente este 16 de mayo de 2010 la vida nos presento un momento que jamás hubiéramos querido vivir. Ya en la madrugada diversos sitios anunciaban la muerte de la voz que definió el heavy metal, Ronnie James Dio. Ante mi incredulidad, a pesar de saber que Dio luchaba contra el cáncer, consulté el twitter oficial y comprobé que aun eran solo rumores, ya que Wendy la esposa de Dio confirmaba que estaba complicado pero con vida. Sin embargo, la tarde de ese 16 de mayo, la conversación que tuve meses atrás se hizo realidad. El legendario Dio ya no estaba entre nosotros.
 
Cuando leí el comunicado de Wendy en el sitio oficial, tuve la respuesta acerca de que haría cuando un grande muriera… y lo que hice fue llorar. A pesar de ser una persona a la que le cuesta expresar las emociones, lloré al saber que uno de mis ídolos ya no estaba más.
 
Luego de la tristeza inicial, vinieron a mi mente miles de momento en los que Dio con su música me transportó fuera de este mundo. Cuantas veces me olvide de todo escuchando temas cantados por el gran Dio. En especial recordé el 8 de mayo del 2009 cuando pude ver en vivo a la leyenda, en ese recital Dio me demostró que a pesar de sus 66 años, por sus venas corría Rock puro. La entrega en el escenario que vi esa noche nunca podré olvidarla y, en estos días, esas imágenes vienen a mi mente una y otra vez. Recuerdo como si fuera ayer que mientras tocaban el clásico ‘Heaven And Hell’ lancé una bandera chilena al escenario… llegó exactamente a las manos de Dio, que me agradeció con una sonrisa ese sencillo gesto. Será un recuerdo que me lleve hasta tumba.
 
Nunca tuve la suerte de conversar con él, pero por muchos testimonios tanto de fanáticos como de colegas músicos, me dan una impresión completa de cómo era. Ahora que llegó el momento de su partida, compruebo que su legado es mucho más grande que su magnífica música. Su forma de actuar es un ejemplo para todos nosotros, un verdadero caballero del Rock del que muchos pseudo rockstars deberían aprender.
 
Dio amó a sus fanáticos y nosotros, en el momento de la despedida, no decimos un adiós, sino un hasta pronto. Cada vez que juntemos los dedos de nuestras manos para simbolizar unos cuernos te recordaremos. Maestro, gracias por ser nuestro referente, siempre vivirás a través de tu música, de cada recital y de cada acto que realizaste, porque en cada uno de ellos dejaste tu alma. Dio, ahora eres un inmortal siempre estarás con cada uno de nosotros.
 
Mario Gallo

Hace un mes leí sobre la muerte del cantante Jay Reatard, nunca fui fan de él, sólo conozco un par de canciones, algunos datos de su vida y sería todo. Tenía 29 años y esto me dejó pensando en todos los músicos que han muerto jóvenes, especialmente aquellos que pertenecen al mítico “Club de los 27”.
 
¿Qué pasa con el club?
 
Este no es un club al que la mayoría quisiera unirse tomando en cuenta que los requisitos para entrar son ser un músico famoso y morir joven. Bueno, han muerto más rock stars a los 27 años que a cualquier otra edad y existen tantas maneras de interpretar este hecho como nombres en la lista de veintisieteañeros fallecidos.
  
Son más de 30 músicos dentro de los cuales podemos encontrar a Robert Johnson, Brian Jones, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Jim Morrison y Kurt Cobain, por nombrar a los más conocidos. Si bien la vida de la mayoría de quienes pertenecen a este grupo estuvo marcada por los excesos y la tragedia, es posible encontrar algunos ejemplos de quienes no fueron víctimas del acelerado y alocado estilo de vida del rock ‘n’ roll como Mia Zapata, cantante punk quien fue raptada y asesinada en 1993 o Pete Ham, el líder de la banda Badfinger no tenía problemas de adicción a las drogas sin embargo el tener que lidiar con un manager deshonesto y las constantes disputas con su sello discográfico lo dejaron completamente frustrado y sin dinero, finalmente en 1975 se suicidó.
 
El número 27 ha sido estudiado y analizado por muchos interesados en el tema, tratando de encontrar alguna conexión ya sea a través de la astrología mediante Pitágoras con su teoría de que todo puede ser traducido a números: “todo es matemáticas”, el filósofo y matemático griego estudió Tetraktys según esta doctrina el número 27 simboliza el regreso del alma a nuestro creador.
 
Y a través de la astrología, la cual involucra a Saturno, supuestamente al planeta le toma 29 años volver a la misma posición en que estaba cuando nacemos, este es un evento significativo en nuestras vidas ya que marca el final de una era y el comienzo de otra. Según el astrólogo Rob Tillett, quien desarrolló su propia teoría, los miembros del Club no estaban preparados para enfrentar esta nueva etapa en sus vidas, por lo que murieron antes de cumplir 29 años.
 
Investigando sobre este tema me topé con “el mito del encendedor blanco”, el cual dice que el usar un encendedor blanco para fumar marihuana trae mala suerte. La conexión de este mito con el club de los 27 son sus 4 integrantes más conocidos; Jim Morrison, Jimi Hendrix, Janis Joplin y Kurt Cobain, quienes eran zurdos y supuestamente al momento de morir portaban un encendedor blanco en sus bolsillos.
 
Podemos catalogarlo de un fenómeno de la cultura pop, una extraña maldición, una simple coincidencia o una gran anormalidad en las estadísticas pero debido al misterio que lo envuelve se han publicado libros e innumerables artículos, escrito canciones en su memoria e incluso existe una película basada en este hecho “The 27 Club”.
 
El “Club de los 27” es un misterio y lo seguirá siendo por mucho tiempo más, al igual que el nombre de su próximo miembro.
 
 
María José Frazzoni

Después de que ocurrió la tragedia de Haití muchas bandas de rock se hicieron sentir con su apoyo, aunque fuese moral, frente a la tragedia que azotó al país centroamericano. Ahora, cuando la naturaleza nos azota a nosotros, desde las bandas más reconocidas como las menos, nos han dado su apoyo, tratan y buscan la forma de ayudar.

Y es que parece que Chile es un lugar muy querido por el rock en general y así lo demuestran los miles de mensajes de afecto y fuerza a un país que tal ves para ellos podría no significar más que una fecha, pero que al contrario de lo que muchos puedan pensar, las bandas tienen un lugar especial para este país llamado Chile.

Bandas reconocidas como Guns and Roses y Dream Theater se han pronunciado y enviado sus “oraciones” y energía. Sebastian Bach también mencionó que ningún terremoto va a parar a los rockeros chilenos. Kirk Hammett también mencionó en una entrevista el pesar que sentía por las tragedias que han ocurridoy que se sentía triste por Chile y que quería ayudar anónimamente como lo hacen los miembros de Metallica o al menos no ayudar bajo el nombre de la banda.

Así muchas bandas han expresado su cariño, The Gathering, quienes en nuestro país tienen su segundo hogar, se han sentido afectados por la situación y en su homepage han puesto un saludo especial para el pueblo y –en especial— a sus fans de este lugar del mundo. Y quien fuera parte de la banda de Holanda, Anneke van Giersbergen, ha dicho que está preparando algo para apoyar al pueblo chileno.

Al parecer somos una nación pequeña, pero con una presencia tan grande para las distintas bandas que nos han visitado que con una tragedia así nadie queda indiferente y uno como seguidor de ellas agradece bastante. Quizás solo sean palabras, pero esas palabras de aliento de alguien que uno admira te dan fuerzas para levantarte y levantar a tu querido país. ¡VIVA CHILE, MIERDA!

Storm Rider